LA IMPORTANCIA DEL DETALLE
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| Ferruccio Busoni |
“Hace algunos años conocí un famoso artista cuya celebridad descansaba
en los maravillosas ventanas de vidrio con dibujos de colores que había
producido. El era considerado por la mayoría de sus contemporáneos como el
mejor de todos los fabricantes de ventanas de arte. Su fama se había extendido
a través de los círculos artísticos de toda Europa. Un pequeño comentario que
él me hizo ilustra la importancia del detalle mejor que cualquier otra cosa que
pueda pensar ahora.
“El dijo, ‘Si una verdadera gran obra de arte en la forma de una
ventana de vidrio con dibujos coloreados se hiciera añicos accidentalmente, uno
debería de ser capaz de apreciar la grandeza de toda la ventana al examinar uno
de los fragmentos aun cuando los otros pedazos faltaran.’
“En una ejecución del piano de buena calidad todos los detalles son
importantes. No quiero decir que si uno estuviera en otro cuarto uno podría sin
ninguna duda constatar la habilidad de un artista al oírlo tocar una nota, pero
si la nota fuera escuchada en relación a las otras notas de una composición, su
valor proporcional debería de poder ser apreciado de forma delicada y artística
por el intérprete altamente entrenado como una parte de un todo artístico.
Por ejemplo, es bastante fácil pensar en composiciones que requieren
una ejecución fluida y suave en las cuales una nota chocante o dura, que
refleje un error de cálculo artístico por parte del intérprete, arruine toda la
pieza. Como ejemplos de esto uno podría citar el Coral de Bach Vorspiel, Nun Freut euch, del cual yo he hecho un
arreglo, o una composición como el Prelude op. 28 no. 3 de Chopin, con su fluido acompañamiento en la mano
izquierda.
Es muchas veces la perfección en las pequeñas
cosas las que distinguen la interpretación de un gran pianista de la del
novato. El novato por lo general se las arregla para lograr los puntos
principales, pero no trabaja en las pequeñas sutilezas de interpretación que
son, casi invariablemente, la característica determinante de las
interpretaciones del verdadero artista – esto es, el intérprete que ha formado
el hábito de no detenerse en nada hasta alcanzar su más alto ideal de
perfección.
APRENDER
A ESCUCHARSE
“Hay un detalle que pocos estudiantes
observan el cual es de tanta importancia que uno se siente tentado a decir que
un exitoso progreso musical depende en gran parte de él. Este es el detalle de
aprender a escuchar. Cada sonido que es producido durante el periodo de estudio
debería de ser escuchado. Esto es, debería de escucharse con los oídos abiertos que le den a ese sonido el inteligente análisis que merece.
“Cualquiera que haya observado cercanamente y
enseñado mucho debe de haber notado que horas y horas son desperdiciadas por
estudiantes que tocan sin ton ni son y que no le dan mayor atención a los
sonidos que producen que la que le darían unos internos en un refugio para
sordomudos.
“En mis propios recitales no hay nadie en la
audiencia que escuche con mayor atención que yo. Me esfuerzo en escuchar cada
nota y mientras estoy tocando mi atención está tan concentrada en el solo
propósito de ofrecer la obra de la forma más artística posible, siguiendo las
exigencias del compositor y mi propia concepción de la pieza, que soy poco
consciente de cualquier otra cosa. También he aprendido que todo el tiempo debo
de estar mentalmente alerta por
oportunidades de mejorar. Todo el tiempo estoy a la búsqueda de nuevas bellezas
y aun cuando estoy tocando en público es posible concebir nuevos detalles que
llegan como revelaciones.
“El artista que ha alcanzado el periodo en el
que deja de buscar detalles de este tipo y que está convencido que de ninguna
forma puede mejorar sus interpretaciones, ha llegado una etapa muy peligrosa de
estancamiento artístico que puede resultar en la ruina de su carrera. Siempre hay
espacio para mejorar, esto es para el desarrollo de nuevos detalles, y es esto
lo que le da sabor e interés intelectual al trabajo del artista. Sin esto sus
esfuerzos públicos se harán muy insípidos y sin atractivo.
AUTO
DESARROLLO
“En mi propio desarrollo como artista se me
ha hecho evidente, una y otra vez, que el éxito viene de la cuidadosa
observancia de los detalles. Todo estudiante debería de esforzarse en juzgar su
propia habilidad artística con mucha exactitud. Un cálculo equivocado siempre
lleva a una condición peligrosa. Si yo no hubiera atendido ciertos detalles hace
muchos años, me hubiera quedado muy lejos de cualquier cosa que se parezca al éxito.
“Recuerdo que cuando concluí mi periodo como
profesor de piano en el Conservatorio de Nueva Inglaterra yo era muy consciente
de ciertas deficiencias en mi estilo. No obstante el hecho de que yo había sido
aceptado como un virtuoso en Europa y en América y que había tenido giras con
grandes orquestas como la Orquesta Sinfónica de Boston, yo sabía mejor nadie
que había ciertos detalles en mi manera de tocar que no podía darme el lujo de
descuidar.
“Por ejemplo, yo sabía que mi forma de tocar
el trino podía mejorar mucho y también me daba cuenta de que me faltaba fuerza
y condición en algunos pasajes. Afortunadamente, aunque relativamente era un
hombre joven, yo no me dejaba engañar por los elogios de personas que aunque bien
intencionadas eran críticos incompetentes, y quienes trataban de convencerme de
que mi forma de tocar era tan perfecta como podía ser. Todo buscador de la
verdad artística es más consciente de sus propias deficiencias que cualquiera
de sus críticos.
“Para poder rectificar los detalles que ya he
mencionado además de otros que no he dicho, llegué a la conclusión de que debía diseñar un sistema técnico completamente nuevo. Los sistemas técnicos son
mejores cuando son individuales. Hablando en teoría, cada individuo necesita un
sistema de técnica diferente. Cada mano, cada brazo, cada conjunto de dedos,
cada cuerpo y, lo que es más importante, cada intelecto es diferente en cada
persona. Por consiguiente me di a la tarea de considerar los principios básicos
esenciales en la cuestión de la técnica para hacer un sistema propio.
“Después de mucho estudio, descubrí la que
pensé era la causa técnica de mis deficiencias y entonces regresé a Europa y
por dos años me dediqué casi exclusivamente al estudio de la técnica según las
líneas individuales que había diseñado. Para mi propio deleite aquellos
detalles que siempre me habían desafiado, los rebeldes trinos, los vacilantes
pasajes de bravura, las corridas disparejas, todos fueron bellamente sometidos
y así volvió un nuevo placer en tocar el piano.
ENCONTRANDO
FALLAS INDIVIDUALES
“ Confío en que mi experiencia hará pensar a
algunos ambiciosos estudiantes de piano y que se podrán beneficiar de ella.
Existe una manera de corregir las deficiencias siempre y cuando se pueda
encontrar un camino. Sin embargo lo primero es identificar el problema y darse
cuenta de que no sólo se debe considerar como un detalle sino como un asunto de
gran importancia hasta que se le haya resuelto. Al tocar, siempre hay que notar donde
parecen estar las dificultades. Después, cuando sea aconsejable, se deben aislar esas
dificultades y trabajarlas por separado. Esta es la forma en la que todos los
buenos ejercicios son diseñados.
“Tus deficiencias personales son las
deficiencias en las que deberías de trabajar más. ¿Para que perder tiempo
estudiando pasajes que uno puede tocar perfectamente bien? Un ejecutante puede
tener dificultad en tocar los trinos, mientras que para otro músico, con una
igual habilidad musical general, los trinos le pueden parecer fáciles de tocar.
Al tocar arpegios, sin embargo, las dificultades que presentan a los dos
ejecutantes pueden ser completamente al revés. El ejecutante que podía tocar el
trino sin ninguna dificultad puede no ser capaz, bajo ninguna circunstancia, de
tocar un arpegio con la requerida suavidad y con el debido legato, mientras que
el estudiante que encontró los trinos imposibles posee la habilidad de tocar
arpegios y cadenzas con la fluidez de un arroyo en el bosque.
“Todos los ejercicios de técnica deben de ser
dados al alumno con la mayor discreción y juicio de la misma forma en que con
mucho cuidado se le administra una medicina tóxica a un paciente. El poner
ejercicios de técnica indiscriminadamente puede impedir el progreso, más que
avanzarlo, de un alumno. Simplemente porque un ejercicio esté en cierto lugar
en un libro de ejercicios no es razón para que un alumno en particular necesite
ese ejercicio en ese momento. Algunos ejercicios que no son convenientes en
cierto momento pueden llegar a ser muy importantes después para el progreso del
alumno.
“Por ejemplo tomen los famosos ejercicios de
Tausig. Tausig
era un maestro de la técnica quien tuvo pocos, si alguno,
iguales en su tiempo. Sus ejercicios son en general muy ingeniosos y útiles
para ejecutantes avanzados, pero cuando algunos de ellos son transportados a
otras tonalidades, como lo requiere su compositor, se vuelven prácticamente
imposibles de tocar con el toque apropiado, etc. Además, es muy poco probable
que uno encuentre un pasaje similar, que demande tal proeza de técnica, en las
composiciones de cualquiera de los grandes maestros del piano. Consecuentemente,
estos ejercicios no tienen valor práctico y serían sólo requeridos por un
maestro que tuviera mayor respeto por la tradición que sentido común.
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| Carl Tausig |
DETALLES
DE FRASEO Y ACENTUACION
“Algunos estudiantes ven el fraseo como un
detalle que puede ser pospuesto hasta que supuestamente cosas más importantes
se han alcanzado. El mismo significado de cualquier composición depende en el
correcto entendimiento y ejecución de las frases que componen esa obra.
Descuidar las frases sería tan delicado como si un actor descuidara la correcta
división de pensamiento en la interpretación de sus líneas. La más grande obra
maestra de la literatura dramática, ya sea esta Romeo y Julieta, Antígona,
La Malade Imaginaire o The Doll’s House, pierde todo sentido si
las divisiones de pensamiento indicadas por las frases verbales no son
cuidadosamente determinadas y expresadas.
“Los grandes actores dedican horas y horas
buscando la mejor manera para expresar el significado del autor. Ningún
pianista hábil pensaría en darle una atención menos cuidadosa al fraseo. Que
estúpido sería para el actor añadir una palabra que concluye una oración al
principio de la siguiente oración. Que erróneo es entonces que el alumno añada
la última nota de una frase al principio de la siguiente frase. El fraseo es
cualquier cosa menos un detalle.
“Un fraseo refinado depende primero de un
conocimiento de la música que le permite a uno definir los limites de la frase
y luego de un conocimiento de la ejecución del instrumento que le permite a uno
tocarlo correctamente. El fraseo está cercanamente ligado al aspecto de la
acentuación y ambos temas están íntimamente conectados con el de la digitación.
Sin los dedos apropiados es muchas veces imposible tocar ciertos pasajes
correctamente. En general, los acentos son considerados importantes porque se
supone que caen en ciertas partes señaladas de determinados compases, indicando
así el compás.
“Al enseñar alumnos muy jóvenes puede ser
necesario llevarlos a creer que el tiempo debe de marcarse de una manera
precisa con tales acentos, pero al ir avanzando el alumno debe de entender que
las divisiones de compases están escritas principalmente para permitirle leer con facilidad. El
debería de aprender a ver cada pieza de música como un hermoso tapiz en el que
la principal consideración es el gran diseño de la obra como un todo, y no las
hebras invisibles que se marcan las cuales el fabricante está obligado a poner
en el telar para poder tener una estructura sobre la cual el tapiz pueda ser
tejido.
BACH,
BACH, BACH
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| J. S. Bach |
“En el estudio de la acentuación y el fraseo
no es posible para nadie recomendar algo más instructivo que las obras
de Johann Sebastian Bach. El inmortal compositor de Turingia fue el más grande
tejedor. Sus tapices nunca han sido igualados en su refinamiento, color,
aliento y belleza general. ¿Por qué es tan importante Bach para el estudiante?
Esta es una pregunta fácil de contestar. Es debido a que sus obras están
construidas de tal forma que lo obligan a uno a estudiar esos detalles. Incluso
si el alumno sólo ha logrado dominar las complejidades de las Invenciones a Dos Voces, se puede decir
con seguridad que él ya se ha convertido en un mejor ejecutante. Y más que eso,
Bach obliga al alumno a pensar.
“Si el estudiante nunca ha pensado antes en
sus periodos de estudio, pronto se dará cuenta de que es imposible para él
abarcar las dificultades de Bach sin la más rigurosa atención mental. De hecho,
puede que él también descubra que es posible trabajar algunos de sus problemas
musicales mientras que está lejos del teclado. Muchas de las más
desconcertantes preguntas y dificultades musicales con las que me he confrontado
han sido resueltas mentalmente mientras que yo caminaba en la calle o yacía en
la cama en la noche.
“Algunas veces la solución de difíciles
detalles viene en un parpadeo. Recuerdo que cuando era joven estaba
comprometido para tocar un concierto con una orquesta sinfónica. Una parte del
concierto siempre me había dado problemas, y estaba algo temeroso de ella.
Durante una de las pausas, mientras que la orquesta tocaba, la correcta
interpretación me vino a la mente como un rayo. Esperé a que la orquesta estuviera
tocando muy fuerte y me diera una oportunidad de probar el difícil pasaje. Por
supuesto que esto no podía escucharse con el tutti de la orquesta, y cuando llegó el tiempo para la correcta ejecución
del pasaje éste se dio muchísimo mejor de lo que se hubiera dado de otra
manera.
“Nunca desaprovecho una oportunidad de mejorar, sin
importar que tan perfecta me haya parecido
una interpretación previa. De hecho, muchas veces me voy directamente a mi casa
del concierto y practico por horas las piezas que acabo de tocar, porque
durante el concierto algunas nuevas ideas me han venido a la mente. Estas ideas
son muy preciosas, y desecharlas o considerarlas como detalles que pueden ser
pospuestos para un futuro desarrollo sería extremadamente ridículo.”Extracto del libro "Great Pianists on Piano Playing" de James Francis Cooke.
(Traducción de Eliud Nevárez Arrazate)
Algunas interpretaciones de Ferruccio Busoni:
Grabaciones de 1922
Liszt: Feux Follets
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